‘Capitão Fantástico’: Matt Ross revela como o longa mudou do roteiro para as filmagens

O longa dramático ‘Capitão Fantástico’ (‘Captain Fantastic’) com direção de Matt Ross chegará mês que vem nos cinemas. O longa indie dramático que teve uma produção independente parece deslumbrante com o roteiro e visualmente.

O longa é sobre um pai (Viggo Mortensen), que cria seus filhos longe da cidade e tudo que vem com ela, criando-os num ambiente mais puro e clamo, na floresta. ‘Capitão Fantástico’ é um retrato de como é uma família não tradicional americana, tendo enfoque claro nos valores culturais desta família. Para aqueles que tem filhos (e para os que também não têm), o filme trata de como os filhos são criados e moldados pelos pais. Numa entrevista para o Collider, o diretor do longa falou sobre a recepção internacional de ‘Capitão Fantástico’, sobre o roteiro e o processo de reescrita (o roteiro também é assinado por Ross), storyboards (quadros de histórias) e como suas influências como ator ajudaram na sua abordagem para com o longa.

“Na verdade, a primeira recepção internacional foi em Cannes, em maio. Essa foi a primeira vez que o mostramos a qualquer público não americano. Essa audiência pode ser em grande parte francesa, mas eu sinto que eles são pessoas de todos os lugares. Por isso, hesito em destacar uma resposta particularmente francesa, em oposição a uma resposta internacional. Eu diria que eles eram mais vocais sobre certas coisas reflexivas sobre a cultura dos EUA. Acho que é de se esperar. Recentemente eu estive no Reino Unido. Nós o mostramos na frente de duas mil pessoas lá e nós mostramos isso em Copenhague. Você obtém uma resposta semelhante. É apenas a força da resposta pode ser diferente, dependendo da cultura.”, disse Matt Ross sobre como foi a recepção internacionalmente do filme.

“Realmente. O que eu notei - e eu estou falando de forma muito geral - é o público estrangeiro estão um pouco surpresos e felizes em encontrar um filme americano que faz perguntas sobre a cultura americana. Há um certo tipo de imperialismo cultural que praticamos. Nossos filmes penetram em todos os mercados do mundo. Você vai a qualquer país do mundo e seu multiplex está cheio de nossos filmes. Eu vi e tive pessoas refletindo para mim, talvez não em tantas palavras ou especificamente, mas eu recebo o subtexto dele - eles ficam um pouco encantados e surpresos e felizes de ver um filme americano refletir sobre a nossa cultura. Porque eles vêem outras culturas refletirem sobre a nossa cultura, mas eles não vêem a cultura dos EUA refletindo sobre si mesma da mesma maneira.”, falou o cineasta a respeito de como o filme lida com a cultura americana e como ele se traduz no exterior.

“Eu dei o roteiro [depois] Sundance em 2012 para a produtora Lynette Howell Taylor. Então nós tentamos juntá-lo. Nós filmamos no verão de 2014 - que foi dois anos depois e que foi baseado em grande parte na programação de Viggo [Mortensen]. A verdade é que tenho certeza de que você foi para festivais de cinema ou lugares onde alguém ganha um prêmio ou eles estão dando um discurso e eles dizem: “Eu tenho trabalhado neste filme por seis anos”. Como diabos isso aconteceu? Mas uma vez que você começa a financiar um filme sozinho, você percebe ‘Uau - seis anos é muito bom.’ Então, para nós - conseguir o filme juntos em dois anos foi realmente muito rápido.”, respondeu o cineasta de como o filme foi feito / produzido.

“Sim - especialmente dada a economia do financiamento independente hoje e da saúde da indústria. Havia realmente conversa sobre o filme que saiu no verão passado, mas eu ainda estava esperando em algumas coisas. Um monte de [a espera] tem a ver com se o [filme] não ser comprado, então se trata de quando você está indo para um festival de cinema e qual é o festival que você está indo. Os filmes independentes têm que vender para distribuidores. Capitão Fantástico foi realmente comprado mais cedo para que em conjunto com os nossos parceiros de produção, os nossos financiadores e os nossos distribuidores, falássemos sobre o ano e que festival de cinema [para ir] e como isso leva a [a liberação]. Toronto e Telluride são portas de entrada para uma liberação de lançamento. Sundance é mais uma passagem para um lançamento na primavera ou verão. Tudo isso tem menos a ver com fazer o filme e tudo a ver com atrair uma audiência e vender o filme. Mas você é chupado nesta coisa toda, porque há um zilhão de filmes e eles estão todos cavalgando para a posição.”, disse o cineasta sobre o quão rápido foi o processo de compra do filme.

“Isso é sempre uma coisa difícil de identificar, porque às vezes você escreve algo muito rápido e você reescreve-o por um longo tempo. Mas eu diria que tive um sexto ou sétimo rascunho depois de cerca de um ano. Descobri que geralmente é um rascunho seis ou sete antes de qualquer pessoa na indústria lê-lo.”, falou o cineasta de quanto tempo o rascunho do roteiro levou para ser feito.

“A primeira ideia foi bastante radicalmente diferente. A gênese tinha a ver com a parentabilidade e perguntas sobre paternidade e paternidade especificamente. Eu tenho dois filhos e eu estava lutando com o que meus valores eram e o que eu queria passar para meus filhos. Então eu estava postando diferentes tipos de pais e diferentes maneiras de parentabilidade. Eu joguei com várias ideias - parentalidade muito tolerante, parentabilidade muito restritiva e então eu vim acima com este personagem [o pai de Viggo Mortensen] - muito dele era aspiracional, algo de ele era autobiográfico. A verdade real - como qualquer coisa, você tem uma ideia sobre algo que você pode escrever e ela muda. As pessoas refletem sobre isso ou você começa outras ideias e talvez sua ideia original é radicalmente diferente do que como acaba sendo. Não é um teorema. Você não se senta e prova alguma coisa. Você começa com uma ideia inicial e ela cresce e cresce. A matemática da narrativa muda. De certa forma o seu documento original e o que o filme acaba sendo são bastante diferentes; Mas não em seu coração. Eu acho que temática ou em termos das perguntas que eu tinha - que não mudam. O ímpeto para fazer o filme não mudou, mas talvez a manifestação literal mudou um pouco.”, respondeu o cineasta sobre como o roteiro do filme mudou.

“Neste caso - eu acho que o personagem era secundário a perguntas que eu tinha sobre parentalidade. As coisas que estou escrevendo agora - às vezes tenho uma ideia para um personagem. Na verdade, talvez isso não seja inteiramente verdadeiro. Havia perguntas que eu tinha e então eu pensei em personagens que ajudariam a manifestar isso. É engraçado porque a maneira como Viggo termina interpretando o personagem é um pouco diferente do que eu realmente escrevi.”, falou o cineasta de como é sua construção, se parte de construir primeiro o personagem e depois o filme em torno dele ou se é a trama, por onde ele começa.

“Eu acho que o personagem originalmente concebido foi um pouco mais... ele tinha um pouco mais de cintilação em seu olho, um pouco mais de um impostor. Não é um piadista porque isso implica um desempenho cômico amplo. O que [o personagem] está fazendo é tão extremo e rígido, eu pensei que uma das maneiras que ele iria contrabalançar o que é com uma verdadeira ‘joie de vivre’ - um verdadeiro brincalhão, divertido pai. Então ele estava constantemente zombando de seus filhos e brincando com eles e cutucando-os. Era um tipo diferente de energia. Mais como Mercutio em Romeu e Julieta. Um cara que você ama e quer estar por perto. Não obnóxio, mas brincalhão. Mas isso não é a energia de Viggo e eu nunca falei com ele sobre isso. Eu apenas o deixei refletir e interpretar [a parte] como ele faria. Eu gostei do que ele fez, porque o que ele faz é trazer credibilidade e uma autenticidade. Eu pensei que era tão válido de uma interpretação.”, disse o cineasta do quão diferente era o personagem do roteiro para com o que Viggo Morten trouxe para a trama.

“Eu não. Invariavelmente, sou influenciado por certas coisas das quais talvez nem sequer tenha consciência. Sempre que você vê um filme, você é ‘Oh isso meio que me lembra de Star Trek com um pouco de Alien.’ Todos nós fazemos isso. Quando as pessoas lêem o roteiro do Capitão Fantástico, elas vão “oh, isso meio que me lembra isso e um pouco disso”. Mas eu não tenho consciência disso. A única coisa que eu estava consciente era que eu queria criar algo que era esperançoso psíquico. Acho que a Pixar faz isso muito bem. Seus filmes são emocionais sem estarem vazios. Eles são sentimentais, mas eles ganham. Filme é um meio muito pobre para entregar uma mensagem. Eu não estou tentando fazer isso. Eu só estou tentando fazer um monte de perguntas e espero que você possa tirar suas próprias conclusões sobre qualquer significado que poderia estar lá ou o que há; Mas eu estava consciente de querer criar algo que por falta de uma palavra melhor tinha uma positividade e ganhou isso.”, respondeu o cineasta a respeito dele olhar para outros filmes para se basear, quando está escrevendo o roteiro.

“Tento escrever o documento de uma maneira muito visual e evocativa. Alguns escritores escrevem coisas que não podem ser filmadas. Porque o documento só é capaz de representar o filme e não pode ser o filme em si - eles querem que você tenha uma reação que vai replicar o que será quando você vê-lo... mas eles trapaceiam. Então eles dizem coisas como... quando eles estão descrevendo um personagem, eles vão dizer ‘Jim tem um segredo, mas nós não sabemos ainda.’. Mas como você filma isso? Ou eles dizem ‘Jim é o cara mais legal do mundo e todo mundo sabe disso.’ Mas como você filma isso? O que é isso? Então eu definitivamente não faço isso. Eu tento usar a linguagem do cinema tanto quanto possível, que é som e imagem. Eu tento fazer com que o documento evoca as mesmas coisas que estou tentando evocar sem fazer batota. Então, se houver um close de perto, eu não vou escrever é um close de perto; Mas eu vou escrevê-lo de tal forma que você sabe que você está olhando para ele muito de perto. Ao invés de dizer de perto em seus olhos você vai apenas descrever seus olhos - o que significa que devemos estar bastante perto, se isso faz sentido.”, falou o cineasta de como ele saber que dirigira o filme, influencia no processo de escrita.

“A verdadeira resposta à sua pergunta é que eu estou tentando contar a história da maneira mais complexa e nuançada possível. Eu não estou realmente encenando isso. O que estou tentando fazer é separar da interpretação que acontece quando você dirige. O que eu encontrei - eu só fiz isso duas vezes, embora eu tenha feito oito ou nove curta-metragens, mas em termos de longas-metragens, o que eu tento fazer não é direto como o escritor. Eu realmente tento separar os dois empregos. Eu sinto que o trabalho de escrever um excelente roteiro é diferente de dirigir esse roteiro. Quando estou dirigindo, eu realmente tento não ser amarrado a nada. Nem tenho os lados nas mãos. Eu tenho outras coisas - ideias que eu quero ter certeza que eu não esqueça ou que eu quero realizar. O esforço não é apoiar o roteiro; Mas sobre o esforço comunal de exploração de muitos departamentos diferentes - os atores, o DP, o figurinista - todas essas pessoas e eu. Em última análise, posso dizer que eu gosto dessa ideia ou não gosto dessa ideia... mas não acho que isso ajude a ser como ‘Não, não, não - você tem que dizer essa linha.’”, continuou o cineasta.

“Nós certamente não fizemos ensaios tradicionais como você faz no teatro. Eu passei tempo com cada ator / atriz criança por mim mesmo e fui através do roteiro com eles, a sua parte especificamente para se certificar de que eles entendiam tudo. Eu também fiz isso com Viggo para fazer perguntas e fazer perguntas. Através desse processo, muitas coisas são ajustadas; Mas não ensaiamos de maneira tradicional. Fizemos um acampamento abrangente onde trouxemos todos a Washington algumas semanas mais cedo. As crianças fizeram um campo de sobrevivência e habilidades de deserto onde aprenderam a identificar plantas comestíveis e construir abrigos e terem habilidades de rastreamento. Todo mundo estava escalando todos os dias e ensaiando instrumentos musicais todos os dias. Viggo estava aprendendo gaitas. George MacKay estava fazendo quatro horas de ioga por dia. Isso não é apenas sobre levá-los para o mundo do filme, mas, finalmente, realmente sobre a ligação. Para se conhecerem, sintam-se confortáveis uns com os outros, comecem a olhar para Viggo como seu mentor, pai e amigo. No momento em que você começa a produção, todos estão muito confortáveis uns com os outros e eles gostam uns dos outros e eles têm um diálogo e eles têm suas próprias relações individuais que estão além do filme. Você só começa em um lugar melhor.”, disse o cineasta de como o filme mudou uma vez que foram para a produção e para os sets e se houveram ensaios.

“Eu fiz quadro de histórias todo o meu primeiro filme [28 Hotel Rooms] e porque é um tal filme de baixo orçamento e estávamos quase sempre no quarto do hotel de qualquer dos locais planejados, fiz um lindo romance gráfico que não tinha qualquer finalidade. Então, eu não fiz isso em [Capitão Fantástico]. As únicas sequências de storyboards especificamente foram a escalada, a sequência com Vespyr no telhado e a caça de veados no início. Mas as outras sequências - às vezes eu faria quadro de histórias, mas eu não iria necessariamente mostrar a Stéphane [Fontaine - diretora de fotografia]. Eles eram apenas a minha maneira de pré-visualizar. Tudo foi filmado, mas Stéphane gosta de trabalhar de uma forma muito orgânica, como eu francamente. Eu gosto de vir para definir e pedir os atores para tropeçar ao redor e ir para onde eles querem ir e, em seguida, decidir como vou fotografar isso. É uma maneira de trabalhar. Nós filmamos a mão, portanto, foram capazes de variar a cada tomada. Eu sempre tenho uma noção preconcebida embora. Stéphane e eu falamos sobre cada cena e como moldá-las e quais momentos devemos capturar e por quê. Então você entra e vê o que funciona e dependendo de como os atores a manifestam, como eles estão interpretando, então refletimos. Às vezes, fotografamos algo e nos reunimos para dizer ‘Uau, isso foi terrível’. A câmera está absolutamente no lugar errado. Nossa ideia não funcionou em tudo e nós ajustamos, mas, francamente, é a mesma coisa que os atores estão fazendo. Estamos explorando e eles estão explorando. Então você começa a descobrir a melhor maneira. Eu acho que foi Fincher quem disse: ‘Há apenas um lugar para colocar a câmera.’ Às vezes você acha que sabe disso. Às vezes você está certo e às vezes você está errado.”, respondeu o cineasta quanto a ele ter feito quadro de histórias (os storyboard).

“Mostrei-lhe alguns livros de fotografia. Há um fotógrafo chamado Simen Johan. Há um fotógrafo que mora em San Francisco que leva essas fotos de seu filho autista que são realmente evocativas. O esforço nunca é ‘Ei, vamos fotografar o filme exatamente como eles fizeram!’ Ou ‘Vamos encontrar o mesmo modelo ou paleta de cores.’ É mais uma maneira de começar a falar sobre imagens. Eu tinha feito um livro de olhar - que é um livro muito grosso de centenas de fotografias, colhidas de uma variedade de fontes ou livros que eu digitalizei ou na Internet. Algumas são apenas fotografias da floresta que eu encontrei e eu nem sei quem era o fotógrafo, mas vejo como a luz aqui se sente metálica ou vê aquele tom de verde ou como a luz vem para as árvores... Estamos apenas falando de imagens. E mais uma vez Stéphane interpreta que como ele interpreta.

Uma das coisas que decidimos muito cedo foi que íamos filmar em mão. Originalmente nós tínhamos decidido como o filme entraria no chamado ‘mundo real’ que ia ficar cada vez mais bloqueado. Nós íamos colocar a câmera no tripé mais e estava ficando rígida como se o mundo fosse rígido. Mas descobrimos que essa era uma ideia formal que não dava realmente frutos. É uma boa ideia, mas quando começamos a fazer isso, não estava funcionando para mim emocionalmente... Eu queria filmar mão a mão porque... Eu senti uma manifestação mais clássica ou formal de fotografia iria colocá-lo em um braço comprimento. Eu queria estar na cena, não assistir a cena.”, respondeu o cineasta sobre o processo que ele e Stéphane (diretora de fotografia), descobriram o visual do longa.

“É difícil saber - mas acho que muitos diretores em nível básico temem atores e talvez desconfiam. Eu amo o ofício de atuar e eu amo atores então eu acho que eles provavelmente podem sentir isso. Eles também sabem que eu entendo qual é o seu processo, tendo feito isso sozinho. A coisa que eu volto repetidamente outra vez é que para a maioria de povos que não estão analisando o de um ponto de vista crítico, a maioria de momentos icônicos do filme são momentos do ator. Mostramos para comungar com outro ser humano e sua experiência. Nós não aparecemos necessariamente para assistir a uma filmagem muito legal de boneca. Na verdade, se você está ciente da filmagem boneca, então você não está realmente no filme. A única coisa que eu sempre esperei foi perder-me no filme e depois só depois dizer ‘Uau que foi uma coisa única. Eles nunca cortaram.’ Eu não quero notar que quando eu estou assistindo. Eu quero sentir a intenção dela.

O contador para isso é que as maiorias das pessoas assumem porque eu sou um ator que é tudo que eu sei sobre e se preocupam, eu sou realmente sou um geek de câmera e um geek de filme. Eu cresci fazendo filmes curtos ao mesmo tempo que eu estava atuando. Para mim, é um filme, não uma peça. Eu estou tão interessado no que o departamento de câmera está fazendo e na construção do mundo através de design de figurino e design de produção como eu estou atuando. Acho que todos os bons diretores fazem isso, quer sejam atores ou não. Eu posso nomear os diretores com quem eu trabalhei... Eu trabalhei com diretores que amam atores e estão inteiramente concentrados no ator e deixam o DP montar a filmagem e parecem não ter opinião sobre qualquer outra coisa. Eu trabalhei com diretores - a maioria desses caras vem de comerciais ou vídeos de música - que são tudo sobre o departamento de câmera. Eles estão constantemente conversando com esses caras e eles basicamente deixam [os atores] sozinhos, o que eu acho que é um erro enorme e não é útil. E então eu trabalhei com diretores que não sabem nada sobre e eu sempre sou como ‘Por que diabos você é um diretor?’ E então eu trabalhei com diretores que sabem muito e se preocupam com ambos e eu acho que esse é o seu trabalho. Eu não acho que você tem que ser um ator para estar atento ao departamento de atuação. Eu posso nomear três ou quatro diretores fora do topo da minha cabeça que se importam profundamente com o departamento de câmera, mas também passam muito tempo trabalhando com os atores, porque eles entendem que estamos assistindo seres humanos navegar uma história de ficção e essa é a nossa maneira: O elemento humano dele.”, falou Matt Ross, a respeito da experiência dele como ator (ele atualmente está na série ‘Silicon Valley’ como Hooli fundador da Gavin Belson), influenciar na abordagem dirigindo atores em cena.

Capitão Fantástico estreia dia 22 de dezembro nos cinemas.