Travis Knight, falou sobre ‘Kubo e a Espada Mágica’

O diretor de ‘Kubo e a Espada Mágica’, Travis Knight e a produtora Arianne Sutner, falaram sobre o longa de animação em stop-motion.

Travis Knight, não só é o diretor de ‘Kubo e a Espada Mágica’, como durante a última década, tem liderado como o CEO, do inovador estúdio LAIKA, de animação em stop-motion e também é o chefe de animação do estúdio, que teve Coraline, ParaNorman e Os Boxtrolls, indicados ao Oscar.

Inspirado em filmes de aventura de Star Wars e Indiana Jones, Kubo e a Espada Mágica, segue o personagem título em sua jornada de autodescoberta, num Japão fantasioso, e ainda o longa conta as vozes de grandes atores da atualidade, como Charlize Theron, Art Parkinson, Ralph Fiennes, Rooney Mara, George Takei e Matthew McConaughey.

Numa entrevista ao Collider, Knight e a produtora do longa, Arianne Sutner, falaram a respeito da próxima animação em stop-motion, do estúdio, que vem esse ano, a completar 10 anos de existência, confira:

“Há definitivamente uma conexão. Eu acho que cineastas estão sempre tentando encontrar esse aspecto de si mesmos você sabe nas histórias. Para mim, só de pensar sobre a nossa abordagem na Laika, sempre queremos fazer algo novo. Nós sempre queremos contar histórias novas e originais, nós não queremos nos repetir, não quer ter um estilo de casa, é por isso que cada filme parece tão distinto um do outro. É por isso que cada mundo que criamos, nós construímos esses mundos inteiros para cada um. Ele precisa ter algum sabor enraizado no que será sobre a história. Então, quando começamos a pensar em Kubo, há cinco anos, uma das coisas que fiquei animado estava no centro dela, era tão grande fantasia épica e não é o tipo de história que você normalmente vê sendo contada em nosso meio, em um stop-motion e há uma razão para isso, porque é muito difícil. Eu acho que vocês tem um sentido quando você estava andando ao redor, a maioria dos filmes em stop-motion, sentiem como eles estão saindo de cima da mesa, porque efetivamente estão. É um pedaço de madeira que foi moldado e que uma câmera em uma posição e um animador irá mover um boneco ao redor.

Bem, inerente a essa ideia desta grande fantasia épica era algo que poderia ser sugestivo dessas grandes histórias, épicas que eu amei crescendo como uma criança, você sabe coisas como Star Wars ou um filme de David Lane ou Tolkien ou Lobo Solitário, coisas desse tipo, que têm essa doçura e escala e adicionar alguma ressonância com emoção por baixo de tudo, mas seria algo que era realmente interessante e novo a ser dito neste meio e por isso começou a se mover por esse caminho. O desafio que colocamos a nossas equipes para criar esse mito Kurosawan em miniatura. Foi apenas uma ideia realmente emocionante.

Agora que é um tipo de coisa de superfície. Para mim, a história dele é profundamente pessoal para mim. Como você pegou em, Kubo é basicamente um proxy para mim. Ele é um garoto, ele é um contador de histórias, ele é um animador, realmente, quando você pensa sobre isso. Todo o seu mundo gira em torno de sua mãe. Ele prossegue esta jornada na exploração, esta viagem de descoberta ao longo do filme, a jornada deste clássica Joseph Campbell herói e ele realmente é sobre esse ponto em nossas vidas onde nós estamos cruzando a passagem da infância para a idade adulta, e as coisas que ganhamos e as coisas que deixamos para trás ao longo do caminho. E como alguém que passou por essa experiência como uma criança e agora alguém como um pai olhando para meus próprios filhos. Você sabe que eu tenho um filho de 15 anos de idade, e uma filha de treze anos de idade, e um menino de quase três anos de idade. E em várias fases, você pode ver as coisas que estão ocorrendo, as lutas que eles passam e saber onde eles vão sair do outro lado. E por isso é uma oportunidade para nós para contar esta história clássica de crescimento, neste cenário incrível que é uma coisa profundamente pessoal para todos nós. Como eu disse antes para mim é realmente uma história sobre um menino e sua mãe, bem, se eu estou sendo honesto, uma mãe e seu filho.”, disse Knight, sobre qual foi a conexão do longa, o por que de fazer a história de um garoto, que faz objetos inanimados percorrerem o ar, com a sua música.

“Sim, tem sido interessante e é definitivamente uma transição. Logo no início, voltando dois anos atrás, estávamos apenas começando a lança-lo. Eu pensei ‘oh sim, eu posso fazer isso. Eu posso animar e eu posso dirigir e eu posso administrar a empresa, tudo ao mesmo tempo, não há problema. [Risos]’. Você sabe que eu olhei para modelos, Ben Affleck, Ben Affleck pode atuar e dirigir de forma tão clara que eu sou tão bom quanto Ben Affleck. Eu não sou tão bom quanto Ben Affleck se vê. Então, não, ao que parece dirigir é realmente um trabalho em tempo integral, mas em tudo o que fizemos, eu sempre quero manter as mãos sujas, para ter as minhas mãos na verdade, criando o material, não apenas chamando as filmagens, assim foi importante para mim mesmo tão complicado como foi para agendar e tantos danos que causaram em minha vida para tentar encontrar aqueles momentos em que eu ainda podia sair no set e trazer algo para a vida de um fotograma de cada vez. Em uma forma prática que normalmente seria no início do dia antes que alguém chegasse aqui, elaborando alguns quadros. Tentámos em um ponto para agendar “tempo de animação protegida”, que era uma hora no meio do dia onde eu poderia sair e não ser incomodado e que foi embora muito rapidamente. E então no final do dia, praticamente quando a maioria das filmagens é feita e a maioria das pessoas estão indo para casa, você só vai sair na parte de trás do aparelho e tente marcha para fora de alguns quadros por isso foi lento indo o que era estranho para mim, porque eu sempre fui um dos animadores mais rápidos no chão, mas é meio frustrante como animador para não ser capaz de ter esse tempo dedicado a trazer essas coisas para a vida. Ainda que era realmente importante para mim não perder essa conexão.

Como um artista todo este processo de dirigir um filme no meu próprio tempo, tem sido a experiência mais criativamente satisfatória de toda a minha vida e eu estou mais orgulhoso deste filme que qualquer coisa criativa que eu já fiz. Como diretor você se torna o nexo de todas estas coisas diferentes e você está interagindo e sendo influenciado por, e influenciar outros artistas que eu acho que é apenas uma coisa incrivelmente revigorante para ser uma parte. Eu amei. Eu pensei que era um processo muito impressionante e foi tão grande para ser capaz de trabalhar com estes artistas de uma maneira diferente. Quer dizer, animadores vivem uma espécie de existência solitária. Nós realmente não somos, como outros animadores realmente funcionam, porque muitas vezes você realmente não assiste outros animadores animar. Sim, você está fora em seu próprio pequeno mundo e há um frenesi de atividade antes de um animador ser lançado em uma filmagem. Você faz a filmagem em sua maioria em reclusão, a menos que uma luz pops ou uma quebra de marionetes ou o que quer que seja, em seguida, eles são feitos e pode voltar para fora no mundo.

Como diretor, é a experiência antítese completa. Você está constantemente cercado e interage com as pessoas durante todo o dia. Uma das coisas legais também, foi que ir do diretor em rondas para que você tenha seus check-ins com animadores frequentemente ao longo do processo. Assim, todas as tardes, a cada manhã, você iria entrar e verificar em um par de diferentes animadores para essas visitas de set onde você pode monitorar seu progresso ou se eles têm perguntas que eles podem pedir-lhe, ou você pode tomar o curso correto se eles não estão indo no caminho certo. E isso foi de abrir os olhos para mim também, porque só para ver como os outros animadores trabalham, porque eu não sei como outros animadores trabalham, eu só sei como eu trabalho e então foi como “realmente, você faz isso. Bem, isso é estranho. Você usar essa ferramenta?”,

Então, foi uma experiência muito grande, muito olho-aberto para mim, realmente incrivelmente gratificante e tipo de movimento realmente, em algum nível. E agora que estamos aqui no final do processo. Eu posso ver as mãos e o espírito de todas as diferentes pessoas que tocaram o filme e você vê isso na tela e toda a dor que estamos passando por cima ao longo destes últimos cinco anos, ele vai embora quando você vê essas coisas vêm à vida de uma forma que você realmente acredita que essas coisas, eles estão vivendo, respirando.”, disse o diretor a respeito de ter filmado uma sequência sozinho, e sobre os outros filmes de ele ter tido uma abordagem, “mais” com as mãos e como foi a transição para diretor.

“Porque não é encenação, eu acho que muitas pessoas têm uma incompreensão do que é agir, não se está fingindo, os atores estão realmente sentindo essas coisas no momento e você pode dizer a diferença entre uma emoção autêntica. Às vezes, ele iria levá-los, se um ator está sendo trabalhado para uma coisa particular para uma cena emocional pesada, ele levaria um tempo para vir para fora disso porque eles estão sentindo realmente isso. Você podia ver as bochechas ficando corado e seus ouvidos estão ficando quentes e todo esse tipo de coisa e por isso você tem que criar os cenários, as situações em que você pode obter o ator a sentir essas coisas e é apenas uma colaboração muito interessante. E você sabe em sua cabeça você tem que você acha que esses personagens acham que são e, claro, que muda ou se transforma em alguma maneira uma vez que você começar a trabalhar com esses artistas de classe mundial incríveis, que têm as suas próprias experiências, sua própria imaginação que eles estão trazendo para o processo e esses personagens evoluem ao longo do fazer e isso é realmente emocionante. E eu acho que cada passo ao longo do caminho se é um designer ou um animador ou um ator, eles estão trazendo algo mais do que talvez você pode, ter imaginado e realmente se torne uma extraordinária colaboração artística. Então, ao todo, foi uma experiência muito gratificante trabalhar com esses atores, muito intimidante no início, mas uma vez que você trabalhou com o processo torna-se um outro, aspecto legal do cinema.”, disse Knight, sobre como foi dirigir o elenco de vozes.

[Sutner] “Eu acho que Matthew teve uma ideia com seu personagem é. É um desafio porque você não é o trabalho, e está intensamente durante três semanas em um momento, a cada dia que você está indo pra dentro e fora de seu personagem e voltar a ele três meses depois. Você saiu e ele estava tentando descobrir que através da linha de que seu personagem estava em um determinado mês e assim ele trabalhou em você sabe, encontrar algum humor, encontrar algo que não seria Matthew, mas seria estar otimista delirante do personagem que ele tinha trabalhado no sentido de levar muito a ele. Quer dizer, eu odeio dizer isso. Todos eles fizeram, o inacreditável, ele foi, um prazer para nós trabalhar com essas pessoas, mas em termos de especificidades eu diria que ele tentou trabalhar em algo para tentar fazer o personagem. Estão tratando estas funções como se estivessem trabalhando em live-action. Eles não estão fazendo caricaturas necessariamente que eles estão apenas chegando para ele como você faria em um filme de live-action, mas apenas passando por sua voz.

É interessante o garoto, o nosso jovem ator que estava com onze anos na época, ele falou sobre isso da maneira mais honesta sobre comunicar tudo através de sua voz. E eu sempre gosto de ouvi-lo falar sobre isso, a partir de perspectivas do seu pequeno personagem ainda, de “Eu só tenho que... através das minhas palavras, através da minha voz”, e ele faz um trabalho incrível.”

“Eu acho que há a impressão, em alguns círculos, que a dublagem é simples e não é. É muito difícil, é muito desafiador e eu acho que em um filme live-action, um ator tem um monte de diferentes ferramentas à sua disposição. Um ator, quando você está assistindo a um filme, eles podem quebrar seu coração com um olhar ou com uma ligeira irregularidade na respiração ou uma mudança de postura. Sua fisicalidade, o que eles podem fazer com seus rostos e seus corpos, aqueles que podem comunicar-se tanto em um filme live-action, mas eles não podem fazer nada disso em um filme de animação. A única ferramenta que eles têm à sua disposição para expressar toda a gama de emoção é a sua voz e um monte de atores não pode mesmo fazer isso. É uma coisa muito desafiadora e, em seguida, quando você tem essa situação como a que normalmente têm em nossos filmes onde muitas vezes não têm os atores na mesma sala ao mesmo tempo para uma variedade de razões diferentes que você tenta fazer isso, tanto quanto você pode, mas por razões de agendamento, por vezes, um ator terá que estar lá por conta própria e por isso o diretor terá que tentar orientá-los em vários tipos diferentes de tomadas em diferentes linhas ou uma cena porque você nunca sabe exatamente o que outro ator que vai fazer é, e uma forma de obter cobertura para uma cena, porque não podemos lança-los, assim que nós começamos os atores para interpretar os papéis em uma série de maneiras diferentes apenas para se certificar de que as coisas funcionam quando acabamos colocando-os juntos na sala de edição e que se sentem estranhos para um ator que é uma coisa estranha para eles interpretar uma cena de uma forma que se sente mal a eles, mas esses atores são todos os profissionais extraordinários e eles fizeram um monte de coisas grandes. Foi interessante ver algum do processo, como mencionei, para tentar obter-se sentir a emoção real no momento. Havia uma cena onde tivemos o personagem Beetle ele estava realmente se esforçando e ele tinha, que ter esse tipo de qualidade em sua voz, em sua respiração, e assim por Matthew estava na cabine e ele simplesmente desapareceu e eu fiquei tipo, “onde ele foi?”, e eu me levantei e eu olhei e ele estava no chão, fazendo uma quantidade desumana de flexões, apenas para obter sua respiração e sua voz de uma certa maneira. E é uma maneira que eles podem obterem essas qualidades fora de sua voz quando não estão realmente naquele momento e por isso é realmente muito interessante ver os aspectos do seu processo no desempenho.”

Disseram Knight e Sutner, a respeito dos atores trazerem histórias ou mudanças para as gravações.

“As pessoas frequentemente perguntam que, quando descobrir o que fazer, e então eles vão “por que você faz desta forma” e eu acho que nós perguntamo-nos que às vezes na ocasião dados os desafios que enfrentamos. É realmente remontar ao início da Laika, quando começamos. Para aqueles de nós que temos trabalhado em stop-motion para bom, muito tempo, incluindo Arianne e eu, eu venho fazendo isso há 20 anos, quando eu comecei, o stop-motion já estava morrendo, ele já estava murchando em uma videira e rapidamente com a ascensão do computador que era apenas uma questão de tempo antes de stop-motion não era nem remotamente uma forma viável de fazer filmes ou fazer efeitos especiais ou qualquer coisa, mesmo se tivesse um tipo que andava com unhas e dentes quase cem anos. O computador pode fazer qualquer coisa que você pode fazer fisicamente, melhor, em várias interações, você tem muito mais flexibilidade e por isso, quando começamos a Laika, uma das questões centrais foi o que podemos fazer com este meio, como podemos fazê-lo, fazer coisas que não tenham feito antes, como podemos trazê-lo para uma nova era e realmente era sobre não fetichizar o aspecto ofício dele, mas tentando encontrar um casamento de artesanato e arte, e tecnologia e ciência, e inovação e misturando todas essas coisas em conjunto e por isso foi realmente sobre abraçando o autor de nossa morte, tomando esta máquina infernal, o computador e fazer a paz com ele e encontrar maneiras que podemos trabalhar e viver juntos. E foi uma das melhores coisas que já fizemos, pois permitiu-nos a fazer filmes de uma forma que ninguém na terra jamais faz filmes e nós temos todas essas pessoas diferentes de tantas disciplinas diferentes que vêm, de formação clássica artistas e também tê-los trabalhando lado a lado com as pessoas que estão inventando tecnologias, que são futuristas, essencialmente.

Por isso, foi áspero-indo em primeiro lugar em Coraline, nós começamos a fazer isso em Coraline e muitas vezes essas pessoas não sabem muito bem como trabalhar juntos, porque eles têm completamente diferentes mentalidades e completamente diferentes formas de trabalhar, mas quando começamos a viver e trabalhar juntos começamos a antecipar o que as outras necessidades e então tornando-as um processo muito emocionante, um verdadeira terreno fértil para a criatividade e a inovação, quando as pessoas começam a disputa por “oh, este é um desafio, eu posso lidar com isso.” e você vai obter todas essas diferentes soluções para estes problemas de tantas áreas diferentes da empresa e é realmente emocionante ver que a convergência entre o físico e o digital. Com Kubo , é apenas uma extensão de tudo o que nós fizemos. Nós sempre tentamos fazer tanta coisa na câmera quanto possível, apenas em virtude de que você quer ter uma sensibilidade unificada, você quer que tudo pareça que você está lançando esta coisa ao mesmo tempo. Sempre que você compor outro elemento em uma tomada, você corre o risco de ele sentir como ele não está de malha na cena, mas nós também não somos puristas sobre isso, qualquer ferramenta que faz mais sentido é o que usamos. O computador é uma ferramenta tal como uma lâmina X-acto é uma ferramenta. E é como que ferramenta faz mais sentido para esta cena, para esta tomada, para este filme, que é o que nós acabamos usando. E assim, em diferentes graus no stop-motion, efeitos práticos, efeitos visuais digitais e CG e animação 2D tornam uma parte de tudo o que fazemos, em graus variados.

E assim, com Kubo, ele realmente tornou-se, o que é a melhor ferramenta para este show específico e uma coisa informa a outra. Nós fizemos um monte de coisas com água como uma questão prática. Às vezes fazemos de água prática que possamos lançar na tela, na câmera, usando como tintas Onduladas de vidro do chuveiro ou um pano. Portanto, há um monte de coisas diferentes que podemos fazer por causa da interatividade e da complexidade deste filme, sabíamos que uma grande quantidade de água que foram usadas no filme, iria ter que ser capturada digitalmente. Então, a primeira coisa que fazemos, eu não sei se Steve falou com vocês sobre isso, mas o que fazemos testes físicos e que, em seguida, informam o que podemos fazer digitalmente, dessa forma, embora em última análise, se trata de uma fonte diferente, ele é informado por isso, se tivéssemos todo o tempo do mundo, como poderíamos fazê-lo na prática, que informa o que fazemos digitalmente. É um casamento muito legal de processos e é uma das coisas que dá a esses filmes a sua sensação única apenas por causa do saco de truques e as caixas de ferramentas, por isso é uma matriz tão interessante, eles olham e se sentem diferentes.”, disse Knight, sobre o casamento da animação em stop-motion com os efeitos visuais.

“Você sabe, às vezes é diferente para cada filme. Às vezes é uma luta para encontrar exatamente o que o material do filme é e às vezes isso acontece muito rapidamente. Em nosso último filme, tivemos Os Boxtrolls, foi realmente complicado, mas foi adequado para o que o mundo era, era este mundo de Dickens com estes edifícios fora de forma, não há linhas retas, e há um monte de coisas acontecendo lá desde a concepção perspectiva que estava enraizada na narrativa que fazia sentido. Para este filme, que não faz sentido, não é isso que foi este filme. Para este filme usamos um monte de formas gráficas simples que foram então detalhadas através das texturas. Se você olhar em volta, muitos dos projetos são bastante simples, muitos dos edifícios que são formas muito simples e que estavam enraizados no que a influência do design para o filme foi, que foi em grande parte e Uyiko que é são as xilogravura japonesas imprimidas, alguns dos titãs que eu acho que algumas pessoas estariam familiarizadas são com Hiroshige ou Hokusai. Houve um artista gráfico no século 20 chamado Kyoshi Saito, que levou em uma direção diferente e ele foi, provavelmente, a influência principal para o filme e havia algo que é realmente bonito e interessante sobre o seu trabalho no que é muito simples, é muito gráfico, é faixas de cor em negrito, assimetria, mas um monte de grandes vastas áreas de cor são, então, dado textura usando efetivamente o processo, pressionando o grão de madeira, na tinta e assim você vê essas texturas incríveis em seu trabalho impulsionado pelo processar e é realmente muito interessante e bonito e a outra coisa que é interessante sobre Saito era que ele vem de uma história de séculos de trabalho na tradicional gravura japonesa do bloco de madeira. Ele fez tudo sozinho e ele também foi fortemente influenciado por pintores europeus, Paul Gauguin, Henri Matisse, Jan Vermeer, e por isso é que a destilação interessante do Oriente e do Ocidente, o velho e o novo, e o real e o imaginário, que é um tipo de sintetização dentro deste artista.

E, em seguida, do outro lado você começa algo totalmente novo que é absolutamente algo que fazemos aqui em cada filme e então sim, você está certo, você pegou em origami, existem esses finais do período Edo japonês de tomada de boneca coisas que nós verificamos no para algum do design dos personagens é por isso que eles tendem a ser bastante simples é quase um tipo de porcelana, como em algumas de suas características. Qualquer coisa que está fora de nossa própria experiência, nós fortemente pesquisamos e, em seguida, em última análise, o filme torna-se uma destilação de todas as coisas que amamos somo obcecados sobre em nossas próprias vidas e você vê o tipo de colocá-lo em um grande gama e na outra extremidade algo novo sai e isso é uma coisa emocionante para um artista a tomar essas esferas de sobreposição de influência e colocá-las através de seu próprio filtro, sua própria vida e, em seguida, que é uma declaração sobre o mundo, que espero que as pessoas vejam quando virem o filme.”

“Eu amo essa pergunta, porque isso é algo que é diferente para cada filme, como Travis diz e às vezes você não chega para ele tão rapidamente como você quer. Às vezes você tem um mundo de personagens ou personagens e animais que todos existem em seu próprio mundo, mas você tem que ter certeza que eles existem nesse outro mundo que você está criando e criando algo que não é exatamente a realidade, mas você precisa se sentir como você está criando uma água concebida, mas que a água, você pode se afogar na água, você pode se molhar na água e é realmente como o material que os desafios de stop-motion são, é realmente emocionante e divertido, mas também todas as diferentes tecnologias que você está criando, trabalhando, você está criando uma obra clássica de uma pintura e você irá usar programas que estão a partir de um computador, mas você quer fazer tudo o que sentir como se trata de sua mão e isso é apenas algo que às vezes é assustador se você ver bem em seu segundo ato e “por que eu não vi o mundo ainda?”. Idealmente como produtor da minha fantasia é que você cria no início de um pequeno canto do mundo e tem seus fantoches nele e eles correspondem e você tem o seu conjunto e lá está ele. E às vezes ele simplesmente se desenvolve e, por vezes, isso acontece muito rapidamente também.”

Disseram Knight e Sutner, sobre não haver um estilo próprio na construção de cada filme, e como ‘Kubo e a Espada Mágica’ teve uma influência por origami e como foi trabalhar com esse estilo e como foi a concepção do mesmo.

“É preciso um bom tempo e porque não estamos na Disney, nós somos uma casa de animação independente, não somos um conglomerado de mídia internacional, temos que ser muito, muito cuidadosos sobre como gastar nossos dólares, os nossos orçamentos são relativamente magros. Penso que o nosso orçamento para este filme provavelmente poderia cobrir o que conta embarcações da Disney. Ele não se parece com ele, mas parte dele está sendo muito inteligente sobre onde gastamos nossos recursos. Nós realmente não projetamos qualquer coisa até que nos sentimos muito bem sobre o script. É uma espécie de mais de um modelo de ação ao vivo, realmente. Muitas vezes historicamente se você olhar para animação, há uma tonelada de filmes como encontrá-lo nas placas, e você pode fazer um grande trabalho dessa maneira, mas é extremamente caro. Nós simplesmente não pode fazer isso, queremos que cada dólar de ser up na tela, não queremos qualquer esforço desperdiçado e nós gastamos muito de nosso tempo no início e apenas para descobrir que esses personagens são, quem são e qual é a história é quase exclusivamente dedicando nossas energias no roteiro e que é apenas um par de pessoas que estão trabalhando em que, em determinado momento. Você começar a queimar por meio de dinheiro uma vez que você começar a adicionar pessoas para o projeto. Pouco a pouco você começar a trazer mais e mais artistas na mistura uma vez que você se sentir bem sobre quem são esses personagens são e o que este mundo é e como esse script será moldado, então você começa a trazer seus designers que estão tentando descobrir o que os personagens se parecem e então você começar a trazer ilustradores que estão examinando o que o mundo é e os locais parecem e pouco a pouco você começar a trazer mais e mais pessoas para ele. Mas inicialmente para o primeiro par de anos que está funcionando praticamente apenas exclusivamente no script.”, disse o diretor Knight sobre o tempo gasto no script do longa.

“Nosso personagem no filme, feito pelo designer Shannon Tindle, tinha sua ideia original, e eu me sentei com ele e o núcleo do que era o filme de samurai em stop- motion. Impressionante. A primeira vez que tive uma conversa com Chris Butler voltando há oito anos atrás, quando começamos a falar sobre ParaNorman era como ok, o que nós pensamos que esta coisa é. Um filme de stop-motion de zumbis para crianças... fantástico. Mas é enganosamente simples, porque isso é ótimo, porque então você tem que ter uma história. Você tem que ter uma estrutura de três atos, você realmente tem que ter personagens que se preocupam e assim você começa com uma ideia muito simples e, em seguida, você começa a construi-los. E essas são as conversas que tínhamos há cinco anos e então você começa a trazer as pessoas que podem ajudar a trazer isso para a vida e tivemos um par de roteiristas extraordinárias, Marc Haimes e Chris Butler, que escreveram e dirigiram ParaNorman, que acabam moldando o roteiro. E então você traz seus artistas de storyboard, que são efetivamente escritores em seu próprio mérito, eles são tipo de escrita visualmente em uma série de maneiras e por isso eles estão levando as fundações de que executar a página e tentar descobrir como, em seguida, colocá-lo na tela e um monte de invenção vem nesse processo também.

E assim, com cada etapa do processo de algo novo fica introduzido e que é realmente emocionante e mesmo que essa coisa leve meia década para se realizar nunca se sinta isso para nós, porque há sempre alguma coisa nova, há sempre alguma nova fase que você reintroduz explora uma nova faceta deste movimento e sempre em evolução. Então você traz seus artistas de storyboard e depois você faz o projeto do filme em suas bobinas de história e que leva o que quer que seja, cerca de um ano, um ano e meio e, em seguida, você traz em seus animadores e seus designers e, em seguida, eles estão trazendo em suas próprias personalidades, suas próprias experiências com eles e eles simplesmente continuam a evoluir, que é realmente emocionante. Você sabe que você tem que ser disciplinado embora sobre como você se aproxime a essas coisas porque como eu disse nossos orçamentos são relativamente escassos e temos a certeza de que cada gota de energia sobe na tela, que não há desperdício de esforço, mas mantendo-se a equipes relativamente pequenas e em Kubo, a nossa equipe de animação é de 20, 25 pessoas em seu pico, provavelmente, que é uma fração da equipe de animação em um grande recurso de CGI. Nós fazemos mais com menos, mas também porque temos menos pessoas, há mais de si mesmos no filme, é mais de uma coisa destilada como da personalidade e espírito de cada artista que se envolve e eu acho que dá esses filmes algo de um grau de pureza para eles, não é espalhar-se entre mil pessoas que só estão fazendo bits e bobs. É uma relativamente pequena equipe que está derramando tudo o que têm para essas histórias.”, disse Knight a respeito de como foi criar Kubo, de como foi criar uma animação em stop-motion, que fala de um garoto samurai.

“Eu trabalhei com Dario em Os Boxtrolls e absolutamente cai de amor por ele, ele é apenas como um sonho para trabalhar. Ele faz uma extraordinária música, bonita. A música foi uma grande parte deste filme, que fala a jornada emocional do menino, é assim que ele se comunica o que está sentindo e, assim como qualquer artista que sai em seu trabalho é essencialmente o que está agitando ao redor dentro deles, porque às vezes há coisas que podemos necessariamente articular da maneira mais clara. Nossa arte exprime isso e dá voz a essas coisas que estamos sentindo. Para Kubo, sua magia, sua música é impulsionada por suas emoções por isso, se ele está sentindo raiva, isso está saindo na música, se ele está sentindo alegria, você sente na música, se ele está triste ouve bem. E por isso, tivemos um monte de coisas que precisávamos para se comunicar de forma muito clara com a música e a coisa complicada neste filme foi que um monte de coisas que tinham de ser vistas interpretadas, em tempos foram ressaltadas, em que o material que está sendo jogado, que pode apoiar a narrativa que o público deve estar sentindo, mas não é necessariamente sincronizados com tudo o que está acontecendo na tela.

Bem com Kubo ele está realmente jogando um monte de coisas dentro de uma pontuação que complementam o que ele está interpretando, mas tem de ser enraizado no Shamisen, que é um instrumento muito desafiador para obter a emoção, pelo caminho. É um instrumento popular muito simples, semelhante a um banjo americano, qualquer pessoa que ouviu um banjo sabe que são desafios para a magreza do instrumento, mas também pode ser incrivelmente expressiva se tocar direito. Então começamos a ter conversas com Dario, eu não sei, cerca de talvez um ano e meio atrás, falando sobre o projeto, basicamente, dando-lhe o resumo do que foi e, em seguida, precisávamos de uma peça de música dele, essencialmente imediatamente então ele escreveu sua primeira peça de música, foi mais de um ano atrás, porque precisávamos incorpora-la na tela quando Kubo está tocando essas duas peças de música e foi as primeiras peças de música que ele escreveu para o filme e também a, a maioria das peças críticas de música que ele escreveu para o filme, que é uma coisa difícil para um compositor quando ele é como eu tenho que definir o que este filme é emocionalmente com essas duas músicas e que vai ter uma ondulação durante todo o filme e é um testamento ao que um compositor incrível que ele é, que ele acertou em cheio e é tão completamente perfeito para esse momento e, em seguida, ondulações ao longo do filme. Ele é apenas um compositor incrível e estávamos completamente em sincronia sobre este filme e você sabe para um personagem, Kubo que é efetivamente uma versão de Orfeu, alguém que cria música divina, isso é uma ordem de altura para um compositor, “Ok, eu quero você tenha poderes musicais de deuses, como o nome deste filme”.”, disse o diretor sobre a importância das composições de Dario, para a parte da música no longa.

“É difícil imaginar um boneco maior do que o esqueleto. Eu amo esse esqueleto porque com todos os filmes que fazemos há um novo desafio que temos que descobrir e que, quando um monte de inovação, em que uma grande parte do pensamento criativo e técnico vêm e que é uma das coisas que eu amo sobre arte e tecnologia. Não é uma questão de refletir o que é, é uma questão de imaginar o que poderia ser. E isso é toda a forma de inovação através do curso da humanidade, que é o que é, o que poderia ser, o que poderíamos fazer, com todas as inovações que fazemos um filme que pode então aplicar esses aprendizados para o próximo filme. E assim o esqueleto gigante realmente estava enraizado em termos de como nós puxamos isso juntos, em nosso último filme, em Os Boxtrolls fizemos essa arma de destruição em massa que o vilão tem, esta broca mega grande e nós não sabíamos como iríamos fazê-la, e então viemos a fazê-la como um modelo em baixa escala e, como nós começamos a trabalhar através do processo básico, porém, percebemos que é apenas realmente um grande fantoche então vamos tipo de ampliar o aparelhamento e tudo o mais e é apenas realmente um grande boneco, vamos movê-lo em uma escala de 100%.

Mas, em seguida, depois que fizemos, que nós pensamos em como que é um esqueleto gigante, é apenas mais um fantoche fodão, muito grande. É uma espécie de ridículo, realmente. É essencialmente é um movimento conjunto e tem de executar, mas eu amo toda a tecnologia e tudo o que entrou para fazer isso porque é realmente alta tecnologia. Nós desenvolvemos esses novos sistemas, estas novas engrenagens e tudo para trazê-lo à vida e, no entanto, por outro lado, temos um braço que é sustentado por um cabo e um balde com sacos de areia por isso é apenas pequena e pouca tecnologia se unindo. A grande coisa sobre isso é que uma vez que nós conquistamos um desafio como que sabemos que podemos fazê-lo. Ela só me faz cada vez mais confiantes em nossas equipes que podemos enfrentar praticamente qualquer desafio, mesmo que na frente de nós, não necessariamente sabemos como vamos fazê-lo. Algum gênio sempre descobre uma maneira de passar por isso e é inspirador.”, disse Knight sobre a inovação, e a exploração das novas tecnologias e ferramentas, para o longa.

“Nós sempre fazemos o a um grau. Enquanto estávamos filmando ParaNorman, estávamos desenvolvendo isso. E por isso é como se estivesse com o cérebro a esculpir em um monte de lugares pequenos, você está se concentrando em um monte de coisas diferentes em um determinado momento. Estamos desenvolvendo filmes agora que não vão sair até daui 10 anos, então há um monte de coisas que você está fazendo, malabarismos em um determinado momento, mas esta foi a primeira vez que nós realmente tínhamos dois projetos que estavam sobrepostos. Nós estávamos filmando, estávamos terminando Kubo e nós estávamos começando o próximo filme que vem além disso e como você pode ver com a expansão que temos do outro lado, do lado oeste do edifício, que é o que que está prestes, criando o suficiente espaço. O que fazemos é ficar sem espaço, você precisa de espaço para essas coisas e ele está apenas fazendo uma caixa maior para que possamos colocar esses conjuntos de modo que podemos sobrepor as produções de uma forma mais significativa.

É um desafio, porque não é como a equipe está apreciando maior. É só que, como os animadores e designers e storyboarders de ir de um projeto para o próximo, e é ótimo que você tem a continuidade sobre os artistas e eu acho que é por isso que esses filmes têm suas próprias personalidades originais, o DNA vem do mesmo lugar. Nós temos que fazer as nossas equipes de maiores e como eu disse antes de fazer muita coisa com muito menos. Nossa equipe de efeitos visuais em Coraline é essencialmente o mesmo tamanho que a nossa equipe de efeitos visuais em Kubo , mas você nunca saberia que com base na complexidade dos efeitos visuais são. Mas todo mundo é apenas grande, que é uma estrela. É emocionante para mim a ideia de trazer esses filmes mais juntos porque existem tantas histórias diferentes que queremos dizer e a hora não é sua amiga. Há apenas tantos filmes que você pode fazer ao longo de sua vida, especialmente se você fazer filmes do jeito que torná-los e há um monte de coisas que nós sentimos que estamos apenas arranhando a serviço, um monte de histórias diferentes. Eu quero te dizer em um monte de diferentes gêneros e por isso a única maneira de fazer isso é através da sobreposição mais significativa, o que nós vamos começar a fazer agora.”, disse Travis Knihgt, sobre trabalhar em vários projetos ao mesmo tempo.

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